© photo by Charlie Soo.

Authorship of Lee Soochul


The photographer Lee Soochul learned the photograph in Japan. When learning the photograph in Japan, he majored the photograph category, the vocabulary of full of irony called ‘fine (pure)’ photograph. Why use the word ‘fine’ importunately? It is evident that the opposite concept should be ‘impure’. The word 'pure' contains the meaning of art that does not hold social messages or the spirit of the age. It contains the angle that sees society oriented behavior that increases the voice on the improper of the age negatively.


It was 1998 when he first presented his work after coming back from Japan learning the 'pure' photograph and the topic was ‘memory’. It was the time when the end of ideology and macro history were mature and the individual, complex, and emotion were issued in the middle of human world. The photographer has been holding that attitude on the photograph continuously since then.


If we think at the aspect of instrumental theory that the photograph is just an image unless it contains its own nature, the issue is to make that image. Then, there should be some subjects which are the final condition of existential category of photograph. It can even break the precondition that ‘Taking that subject is the photograph.’


If we say that taking subjects with a camera in the film and print them are the normal process, it was 1924 when directly printing without cameras and films was become a process of photograph. Then, it naturally raises a question that it would be a way of good arts if we can make images without taking at all while saying and showing in a way of artists with the created image.


It is very destitute to argue that question logically. What we can do is just ‘Then, is it really a photograph?’ Right. It does not care whatever it is. It does not matter whether it is the photography, imagegraph, or digigraph. The camera is just one of mechanisms that takes phenomenon for the photographer Lee Soochul.


1. Digigraph: The world that there is no copy rights and genres

The <Epiphany of fantasia> exhibition in 2008 by Lee Soochul breaks some notions on the photograph. At first, he shouts the dignity on stealing others’ at first. Lee Soochul scanned the photo of Thomas Ruff who he liked and used in his work in a different intention. It is the <Epiphany of fantasia>.


The reason that he took the star of Thomas Ruff was not just to show the night of counting the star and the world of dream that had the memory of the childhood to his daughter. He also tried the provocation on the disclose of the existence of photograph as an artist. Although he copied the star of Thomas Ruff, Thomas Ruff had also took the astronomical photo taken by a telescopic camera.


What is the problem to use photos that take the subject as they are in this or that way? What is the difference in making artworks placing rocks, tries, and the soil of the nature here or there? It is a strong provocation against the copy right. In that, the fabrication or distortion becomes a creative artistic behavior beyond the existing modern concept.


By taking photos of Thomas Ruff without permission and using in his way, the provocation that the photographer Lee Soochul raised is not just about the copy right. There is a point that we should think importantly in another context due to the character of photograph.


It is the exclusive possession. The exclusive possession means that the character of existence changes according to the position that it is located. It means that the concept of existence is no longer valid while it has no nature. The original photo of star is a literally document. The person who took the photo does not hold the angle or the intention of reproduction while making reflection image like the water or a mirror. It is the dry product of science.


However, the meaning is totally different when the image is exclusively possessed in other location. It is used as the person who uses it as his/her own way ignoring its original character. At this time, the permission of the original author is not necessary. The photo that was originally a source became a formative photo composed of black, white, and points by Thomas Ruff. Lee Soochul made it a scenery photo of beautiful night sky for his beloved daughter. It is a product of thinking on the photography that crosses the boundary of genre.

Both <Epiphany of fantasia> and <Scenery of memory> which was presented before are complex production. In case of <Epiphany of fantasia>, the image that takes the bottom part which the bridge or field was taken by the photographer directly which is the typical production method of camera. He compounded it with the star of Thomas Ruff, a German photographer without permission.


But the compound was made by a computer program rather than through the traditional photographic mechanism such as cameras or films. It started with a camera, but completed with the computer. How can we define this kind of production? There is no other way but to call the image as a photography which the camera was the subordinate and the computer was the principal.


It is clearer in <Scenery of memory> that the post-adjustment is the principal rather than the subordinate. While the work that the documentary photographer sets the subject and takes photos contains the records strongly, photos that coloring and changing tones through the post-adjustment contains strong artistic characters. The post-adjustment becomes the process rather than just an adjustment.


Eventually, the photograph is to ‘making things’ rather than taking them for the photographer Lee Soochul. If the post-work comes first than the pre-work and make things with programs rather than take subjects, that is photography, but the irony occurs when it is beyond the category. Can we say that the post-existential photography eventually?


Although this circumstance, the philosophy on the post-photography that Lee Soochul has, is evident. Although it is the computer technology that makes photos, they should not try to show the brilliance of technology. Whatever they are, the technology should be a mean to show individual emotions.


In that sense, his photographies contain the same existing method that the photograph has taken until now in the level of the speaking method. It is the same traditional artistic method that tris to give some kind of feelings that the image gives rather than trying to talk about the fact or reality.


2. Exclusive possession: Wold of micro image for individual emotions

The photographer Lee Soochul’s <Over the dream (畵夢中景)> draws the scenery in the dream literally. Of course, it is neither drawn nor the scenery in the dream. It took the reality with a camera like the scenery in the dream. It is a straight photo that uses the film rather than working with the computer.


It might look like a taking a miniature to people who are not professional photographers, but it is not actually. Those are photos to give fantasy by setting people beforehand and adjusting the focus with the 4"x5" camera. It is also a story on the memory or dreams.


If we say that <Epiphany of fantasia> is a memory to show the past that the generation which the photographer was belonged to the personal being called a daughter which is a dream as a group memory, but <Over the dream> is a fairly private dream that a person experienced or experiences. Although it is a photograph that clearly has the narrative, but the intention of the artist is definitely not to decide it. It is because that he wants us return to the world that is hard to remember and interpret and feel freely like fish swims rather than trying to say a certain message in the fixed story.


<Over the dream> was the work that the artist newly tried to get away from the typological photographies of German in the middle of 2000. In his previous works, he showed post-photography through the digital work, but he returned back to the film while looking for new styles rather than traditional ones. We are fed up with ordinary. We hate to follow what others do even though their messages are good.


While <Epiphany of fantasia>, a typological photograph that has any special narratives, resembles the photo of Thomas Ruff, <Over the dream> resembles Sandy Skoglund that he lies in the sense that it set certain narratives beforehand. But it does not mean that <Over the dream> holds the social messages strongly as a series of photos that Skoglund shows. Skoglund gives critical voices sharply for social issues such as environment or women, but Lee Soochul does not try to make those voices.


When Skoglund talks about the society, Lee Soochul talks about individuals and when Skoglund talks about the reason, he talks about emotion. But he regards more precious for the image than the reality and the virtual world than the existing world that Skoglund holds.


3. Crossover: World of no-boundary that crossover happens

The photographer Lee Soochul once took commercial photos. Then, he changed to the digital art photographs that work with computers until he started to use the film again. While doing those works, he was not very interested in the works for holding historic and social messages.


There is a work that is out of his work category. It is <Incheon Woman>. This is the only photograph that focused on the social meaning rather than the image at present. <Incheon Woman> is the work that modelled Yoonsanabi who is a producer and an actress. It says Incheon woman, but it means the woman in the ‘reality that the external and internal are controlled according to the commercial frame in the capitalism society’ rather that women living in Incheon.


Yoonsabina is a woman who has fought against the female aversion of ‘being ladyish’ in a wide meaning while stressed by fascinoma, social prejudice on it, and the affection to the play suffered by autoimmune deficiency that brings general hair loss since her twenties. This work was supported by Incheon Cultural Foundation and Sungwang Cultural Foundation and this work was made through the project order that photographers could not avoid as they had to eat for living.


But, it is not the production that has no spirit that worked according to the orderer. It is only different as it tries to deliver the social message rather than the photograph as the fantasia of emotion for the image that he has worked for.


<Architectural Photography> announced in 2008 is a work of incompletion.

Technically, it was announced as it seemed completed, but the artist declared that it was incompletion as he was not satisfied with its finish in the middle of exhibition. It is about the memory for the lost which he has been strongly worked out until now.


The subject are our houses that are dead as buildings with various reasons but still exist in front of us. The house that people live in, the house that people built to live in, but abandoned houses look ugly. It might be natural that they are ugly as they are abandoned and forgotten. It is like a shape of body left in front of alive people after stopping the breath.


At first, the photographer locates abandoned houses straight. Furthermore, the photographer places them in the middle of the frame nicely. Then painted splendidly on the taken image. It is the treat with respect for things that are lost. It reminds the scene that the undertaker puts on a makeup the dead nicer and more beautiful than they were alive in the Japanese movie <Departure> directed by Takita Yojiro.


The subjects that the photographer chooses are majestic, polished, and beautiful building once in the past. The important thing is that it tries to say rather than showing the fact. The photographer Lee Soochul does not care forms or boundaries. Artists just say that they want to say. It is crossing the boundary quitely.

The representative work of crossing the boundary that Lee Soochul has been made is <Scenery of unexpected> which was collaborated with Cho Miyoung. It is a collaborative work of imagination which is not existing through two different media of photograph and drawing that the painter draws a feather on the image that the photographer took the photo.


The photographer Lee Soochul makes the detailed scenes acquired from the world of substances as the image and the artist draws a feather that symbolizes light, so it is possible to ignore and forget its existence whenever and wherever on it. It is requiem singing for all disappeared things that are not living anymore.


It is impossible to copy the fact as it is whether it is a writing or a photo. Rather, the concept of ‘the fact as it is’ cannot be established. The world cannot exist by itself (Bulipmunja). The world is composed of images and communicates with images. That is the real world that the unreal controls. It it, the photograph is the distortion and the ‘lie’ eventually.


Then, it is not strange to distort a bit or rather actively and say ‘lies’. The method of photography that the photographer Lee Soochul tries to day is right here.


He devotes requiem for things that disappear sometimes through synthesis, sometimes through outer coating, and sometimes through the collaboration with other media without being limited to the form. Songs on the singing beings are sung in the exclusive possession of the post-modern world that he freely accesses. And we taste the world of infinite images in it.

                                                                             - Photography critic, Lee Gwangsoo-



非同時性 - 濟州


오래 전 이야기지만 일본생활을 접고 한국으로 돌아왔을 때, 서울생활이 적응 되지 않아 ‘제주로 내려가 살았으면 좋겠다’ 라는 생각을 한 적이 있었다. 아직 그 꿈이 이루어지지는 않았지만 항상 마음 한 켠에는 제주를 품고 살고 있다. 몇 개월 동안의 새로운 작품의 구상이 끝나갈 무렵, 나는 제주에서 촬영하기로 결정했다.

먼저 제주의 사진 중 자주 등장하는 명소나 풍경은 가능한 배제하고 시작하였다. 그렇다고 해서 유명관광지를 아주 안 찍는 것은 아니지만, 나에게 작가로서의 감각적인 면과 감성이 남아 있다면, 나 자신을 믿고 내 눈에 들어오는 제주를 찍기로 했다. 그래서 제주에서는 촬영 소재로 자주등장하지 않는 동네 골목과, 사람들은 눈길을 잘 주지 않지만 내게는 재미있는 장소들을 찾아다녔다. 또한 일상에서 흔히 볼 수 있지만 그 익숙함이 지루하지 않는 장면들도 촬영장소로 활용하였다.

중요한 것은 한 곳의 촬영장소가 결정되면 봄, 여름, 가을, 겨울 계절과 시간의 틈을 두고 촬영을 한다는 것이다. 그래서 한 장의 사진이 완성되면 그 사진 안에는 제주의 사계절의 시간을 모두 담고 있다고 말할 수 있다.

다시 말해서 이번 작업은 디지털 mechanism을 이용해서 아날로그에서의 연속되는 시간의 이미지와 대비해 중간 값을 취하지 않는다는 디지털의 속성을 이용, 이미지화 하였다.

사진에 깊은 관심이 있는 사람이라면, 누구나 한 번 쯤은 보았을 Michael Wesley와 Sugimoto Hiroshi의 작품들은, 순수한 시간의 개념이 얼마나 아름다운 이미지를 만들어 내는지를 우리에게 보여주었다.

사진은 사실성을 갖고 있는 매체다. 그러므로 시간의 사실성을 가장 잘 이해하고 보여 줄 수 있는 장르가 사진이다. 그런 맥락에서 보면 위의 두 작가는 사진이 가진 시간의 영역을 가장 적절히 표현한 작가라고 할 수 있다. 물론 완벽한 사진을 위해 공간을 이해하는 것 또한 그들의 작품을 보면 잘 이해 할 수 있다.

그러나 나의 작업은 시간을 연속선상에서 바라보는 것이 아니라, 계절마다 그리고 기후에 따라 시간을 선택해서 같은 장소에서 촬영하는 방식이다. 그래서 <비동시성 - 제주>이다.

비동시성은 같은 시공간에 과거와 현재가 비이성적으로 공존하고 있다는 의미이다.

물론 이 번 작업이 사회적 관념과 상식이 바뀔 정도의 시간의 틈을 두고 촬영한 것은 아니다. 그렇지만 계절의 틈과 시간의 틈을 두어 사계절의 낮과 밤을 한 장의 사진으로 표현하고자 했다. 내가 주목한 것은 어떤 시간대와 계절에 촬영했는가 하는 시간의 문제와, 한 장의 사진으로 계절과 시간을 디지털의 개념으로 표현하고자 할 때 만들어진 이미지 즉, 계절과 시간이 만들고 간 궤적, 비선형적 도형, 그리고 사진이 가지고 있는 상징성 하나를 살짝 보여줌으로써 ‘이것은 사진이다’라는 메시지도 함께 던지고 싶었다.


<모든 사람들이 동일한 현재에 존재하는 것은 아니다. 그들은 오늘 보일 수 있다는 사실을 통하여 외형적으로만 동일한 현재에 존재할 뿐이다> 독일 철학자 에른스트 블로흐가 1930년대 독일 사회를 규정하면서 비동시성의 동시성을 예를 들어 한 이야기로, 가치와 관념이 다른 시대의 인물과 현재의 가치관을 가진 사람들의 모순된 공존을 이야기 하고 있다.

사진은 회화와 달리 기록된 그 시점의 이미지가 주로 회자된다. 당연한 이야기이지만 사진은 찍히는 순간 그 시점의 한 장면은 영원히 박제되어 그 순간만의 시간성을 가지기 때문이다. 이 번 작업이 시대를 관통하는 긴 시간의 의미는 담고 있지는 않지만, 같은 장소에서의 다양한 시간대와 계절이 공존하는 이미지를 담으려 노력했다.

여러 시간대에 걸쳐 촬영된 사진 속에서 사람들은 어떤 시점의 이미지를 발견 할 수 있을지, 그리고 디지털사진에서의 시간적 개념과 사진적 장치를 어떻게 받아들일지 궁금해진다.

                                                                                              - 이 수 철 -

화몽중경 (畵夢中景 - 꿈 속의 풍경을 그리다)


우리는 프랑스 철학자 바슐라르의 '몽상’이 죽은 사물인 흙더미를 '현자의 돌'로 바꾸어주는, 즉 중세의 연금술적 마법을 이 세계에 실현하고자 한 것을 목격한 바 있다. 그는 '시적 상상력'이 만들어내는 '시적 이미지'야 말로 의미 없이 퇴색해버린 우리의 일상을 풍요롭게 만들 수 있다고 했다. 그리고 그가 마침내 우리에게 제시한 해답은 '몽상'이고, '꿈'이었다. 즉 노을 아래 펼쳐진 평범한 전경은 '몽상'을 통해 “나무에 꽃피는 불꽃”이 되고, 방안의 램프는 “한 송이 장미”가 될 수 있으며, 이러한 과정을 통해 이 세상 모든 것들은 더 풍요로운 의미를 획득하게 된다는 것이다. 이수철의 '꿈'과 '몽상'도 이와 맥락을 같이 하는 듯하다.


우리 인생의 3분의 1은 수면의 시간이다. 그리고 우리는 그 중에서 많은 부분을 꿈을 꾸며 보낸다. 하지만 대부분의 꿈은 우리의 기억에서 사라지고 없다. 애써 기억하려하지 않는 우리의 의지 탓일 수도 있고, 기억의 회로 장치가 제 기능을 못하거나 차단된 탓일 수도 있다. 아니면 현실로 돌아오기엔 너무 멀리 가버린 초현실적 장면들이 우리 생을 지나치게 무력한 것으로 만들어버릴 지도 모른다는 신의 염려 탓일 지도 모르겠다. 하지만 많은 예술가들은 이렇듯 우리 기억에서 온전히 재생되지 못하는 '꿈'을 탐색하고, 투사하고자 노력해 왔다. 바슐라르가 그러했던 것처럼, '꿈'과 '몽상'이야 말로 우리 생의 숨겨진 의미를 재발견하고, 새로운 의미를 부여할 수 있는 장치라 여겼기 때문이다.


작가 이수철의 생각도 이와 같다. 그는 그와 인연의 끈을 버리고 보이지 않는 저 세계로 영영 사라지려 하는 '꿈'들을 붙잡았으며, 그것들을 하나의 장면으로 압축시켜 작품으로 만들었다. 그리고 그 꿈에 리얼리티를 더하기 위해 필드용 4"x5"카메라를 사용하였으며, 가능한 디지털작업을 최소한으로 하여, 몽환적 이미지를 만들고자 했다.


그의 작품은 몽환적일수록 사실적이다.


이 모순적인 말이 그에게서는 통용될 수 있는 것은 이수철의 작품 속에 담겨 있는 모든 이야기와 사건 그리고 인물들이 꿈속에 존재하기 때문이다. 고로 그는 꿈에서 본 장면들을 그대로 살리고자 했으며, 이렇게 채택된 뉘앙스와 무드는 몽환적이게 된 것이다.


우리는 그의 작품 앞에서 동화적 상상력 또한 엿볼 수 있다. 실제로 작가는 미야자키 하야오의 <붉은 돼지>나 샤를 페로가 정리한 <신데렐라>에서 모티프를 차용했음을 고백한 바 있다. 하지만 그 장면들은 차용되었을 뿐 철저히 작가에 의해 재구성되었으며, 재해석되었다.  하늘과 여인으로 대변되는 '꿈(여기에서의 꿈은 미래에 대한 의지를 내포한다.)'은 '내'가 찾아가는 것이 아니라, 그들이 '나'를 찾아오는 방식으로 설정되어 있기 때문이다.


이수철은 인간이 점차 불행의 늪으로 빠져드는 근본적 원인이 언제나 보다 나은 '꿈'을 좇으며 살아가기 때문이라는 사실을 알고 있는 듯하다.

그리고 그 꿈에서 벗어나 거리를 둘수록 '꿈'이 우리를 향한다고 여기는 것 같다. 이는 모든 사물이치에 적용되는 원리이기도 하다.


이수철의 모티프 차용은 샌디 스코글런드의 작업으로도 향하고 있다. 하지만 그가 스코글런드의 <The Wedding>에서 차용한 붉은 옷을 입은 여성과 남성은 새하얀 공간과 해변가에 배치됨으로써 또 다른 이야기를 전개하고 있다. 이는 위대한 사진작가 스코글런드의 몽상적 상상력에 대한 오마주의 의미를 담고 있지만, 이수철의 붉은 옷을 입은 여성과 남성이 만들어내는 사건은 그것과 다소 다르다. 여기에서도 우리는 역시 꿈으로 대변되는 것에 대한 관조와 응시 그리고 거리 두기에 대한 작가의 의지를 엿볼 수 있다.


프로이트는 의식의 억압으로부터 온전히 자유로워질 수 있는 시간 중 하나로 '꿈'을 설정한 바 있다. 고로 그는 인간의 여러 형태의 꿈을 집착하듯 파헤치며, 무의식의 세계를 발견하고자 했다. 물론 그것과 다른 형태이기는 하지만 이수철의 꿈의 이미지에 대한 연구 또한 매우 심도 깊고, 그러하기에 애잔하다.


'꿈'은 알수록 희망적이지만, 또 알수록 절망적이기도 한 야누스의 얼굴이기 때문이다. 실체가 없으며, 기억과 몽상 속에서만 존재하기 때문이다. 하지만 우리는 그 안에서 절망보다 희망을 찾을 가능성이 더 높으며, 새로운 생의 의지를 불태울 수 있는 계기를 찾을 때가 더 많다. 그리고 그것이 이 세계에 재현되고 실현된다는 것은 바슐라르가 말한 것처럼 우리 생이 풍요로워지는 것을 의미한다. 그러하기에 우리는 이수철의 사진 속에서 우리의 퍽퍽한 생을 버텨내게 하는 긍정적 의미의 프로작을 섭취할 수 있는 것인 지도 모르겠다. 

                                                                                 - 김지혜 -